“艺术”，似乎已经走下了神坛。近年走红的艺术展，看起来都像是童话书里的梦境，比如冰淇淋展、自拍展、感觉展、还有上海的孤独的方便面展、北京的爱丽丝梦游仙境展、失恋博物馆、脑髓天国展、花花果果猫猫展……除此之外还有无数关于颜色、梦境、披萨、鸡蛋、糖果和玫瑰酒的展览……

艺术的商业化、流行化、时尚化，从村上隆与LV的跨界合作，到今年kaws玩偶联名被疯抢，似乎也就几年间的事情。然而，不知从哪个节点开始，裱在画框里“不染尘俗”的画作变成了一墙一墙的粉红色、漫山遍野的塑胶雕塑和大眼公仔、满房满房的镜子和一池一池的海洋球，美术馆里咔嚓咔嚓的美颜自拍代替了一双双严肃的眼睛……

“艺术”，

似乎已经走下了神坛。

近年走红的艺术展，看起来都像是童话书里的梦境，比如冰淇淋展、自拍展、感觉展、还有上海的孤独的方便面展、北京的爱丽丝梦游仙境展、失恋博物馆、脑髓天国展、花花果果猫猫展……除此之外还有无数关于颜色、梦境、披萨、鸡蛋、糖果和玫瑰酒的展览……

从前非常依赖艺术家名字卖票的艺术展，现在全部换成了团队运作出品，梦幻的配色、美颜的灯光、强互动性的游戏环节和微博、ins、小红书等社交网络上的大肆宣传，使它立即被捧为了“艺术热潮”，门票一抢而光。但初次进入的你可能感觉不像是进入了一个真的美术馆，而更像是被卷进了一股裹挟着大量海洋球的网红潮流。

在这里，艺术不再是主角，你才是唯一的主角，这种超脱于现实生活的梦幻体验，使它成为了无可替代的“朋友圈之王”。这种艺术展，喜欢的人叫它“沉浸式展览”，不喜欢的人叫它“网红展”，但在这里，我们把它叫做“快闪展”。现在，它正在重塑艺术的社会功用，也在重塑你消费艺术的方式。

网红展来源

60年代装置艺术

将互动艺术品划分为不同主题的房间，是大多数网红展都遵从的模式，但其实这种模式并不算新鲜，它依旧源自于传统的美术馆——

传统美术馆的三大构成：雕塑、摄影、绘画

快闪艺术展的三大构成：舞会、镜子房、海洋球池

从1960年开，james turrell、louise bourgeois、rachel whiteread等许多艺术家就开始专门利用不同的展览空间来设计沉浸式的多维度艺术体验，即装置艺术。从那时起，艺术就不再是挂在墙上的画，而是互动的、深入交流的，看展者成为了艺术的一部分。装置艺术潮流无疑是当代"网红展"最大的借鉴因素。

以草间弥生的"obliteration room"为例，在一个白色的房间里，参与者可以在任何地方贴上彩色的圆片，而在ins上大火的"玫瑰豪宅"快闪展里，同样也是在一个白色的房间里任意贴上玫瑰花瓣。

再以草间弥生无限空间为例，infinity room，即一系列布满镜子的房间，同样也被"梦境机器"快闪展复制了一个几乎差不多的版本。

从禁止拍照，

到鼓励拍照！

当策展人发现，不用再依赖于响亮的艺术家名称，仅仅通过自拍就可以带来生意后，所有的美术馆和画廊都开始重新思考艺术的未来。艺术与消费者的关系已经由单纯的放置和欣赏变成一种潮流互动之后，传统画廊也开始在展览中加入新元素，并且改变成规旧俗。

比如“不准拍照”的规定，许多展馆都明令禁止拍照，来保护图像版权和对光线敏感的画作，但如今，而在展览与社交媒体密不可分的当下，这一规定正在被动摇。

比如2015年最早开始使用“鼓励拍照”标识的renwick画廊，在改变规定后的六周之内，人流量超过了之前一整年的总和。而国家建筑博物馆的“沙滩展”在两月之内使日常人流量上升了30%，而hirschorn举办的草间弥生展，在三个月内使该美术馆的总会员人数上升了6.566%。社交媒体吸引了许多艺术消费核心人群之外的流量。

但对于依然有“禁止拍照”规定的传统美术馆来说，让游客停止拍照成了一项非常艰难的任务，比如james turrel的in the skylight装置展览，鲜亮的配色和极简的美学使其在ins上大火，瞬间上千张网络照片的涌现，让艺术家“不许拍照”的呼吁显得格外无力。

艺术家担心拍照会转移大多数人观展的注意力，而这种担心是有道理的，research barash研究发现，当人们边看展边拍照上传网络时，他们更难完全投入到现场的体验中去。在看展的同时大脑中发布、分享和点赞的压力会使人们很难集中注意力在展品之上。

所有的快闪展和美术馆都在面临一个问题：以禁止拍照的方式来控制游客质量和观展效果，或者以开放自拍的方式拉低门槛、扩大市场，同时也彻底改变观展体验。

老品牌的网红经济

网红展所带来的短时间内的庞大流量，使许多商家都看中了它的品牌潜质。像“爱丽丝漫游仙境”之类的展都直接被放在了商场中吸引人流，还有些甚至成为了品牌的新型宣传方式，类似的还有海绵宝宝展、香奈儿快闪展……但最近最火的，还是大白兔奶糖展——

作为一个60岁的老品牌，大白兔通过举办艺术展，运用各种互动游戏、巨大的白兔公仔和裹满糖纸的商场柱子，在个大商场推出了口红、香水、包袋、身体乳等周边，立即走红网络，一杯定价20元左右的奶茶被炒到150元的高价，现场充斥了从早上7点甚至更早就前来排队的黄牛，他们加价的理由十分“充分”——买一杯奶茶需要等待至少5个小时。

但其实，网红经济并不完全是香饽饽，对于想要转型的老品牌、老艺术馆来说，向“网红陷阱”的弯腰往往也容易带来反噬——一旦开始进行网红式宣传，就得面临全面暴露在大众舆论下的压力，极易发生品牌危机，如凭借“水晶葡萄”、“香芋提子”雪糕畅销23年的老品牌奥雪，因网红蛋黄雪糕在网上突然走红，但随即被抽查出质量问题，立即被一边倒地遭到抵制。 

流量与品牌风险成正比

但总归来说，即使自拍和买买买才是大多数人看展的理由，至少更多人来看展了，如果这代表着更多原本不关注艺术的人愿意去接触艺术，艺术的前途就有了更多希望。

事实上，网红展览频出、观展意愿高涨、当代艺术和美术馆势头猛烈的上海、深圳等地，都有大量成功孵化的电商和网红、设计品牌。同时，这些城市所在的地方也是传统广告业、服装设计、服饰生产和销售批发、物流业的重要地域，对于“美”和品牌宣传的需求量大，而这些，都代表着艺术行业更广阔的未来。

而网红展正被诟病的同时，也在慢慢进行内部艺术理念的深化与升级，而借助科技与沉浸式、体验式、互动式的方式探索，网红展能够表达的艺术内核其实还有无限的潜力。

因此，艺术的商业化并不代表艺术的走下神坛，相反、它正代表着商业的艺术化、大众的艺术化、社会的艺术化，我相信，这样一个艺术的未来，是更加值得期待的。

艺术并非越来越平庸，只是社会在变得越来越艺术了。